Grécia

          





          




               A Grécia com suas montanhas e com o céu quase sempre azul e seu clima suave faziam um dos mais maravilhosos e melhores países do mundo. Foi nesse cenário e que a arte deu um salto, que fez toda a humanidade amadurecer de uma forma inimaginável

              A arte chamada de arte mecênica do final da epoca do bronze, se desenvolveu tanto em arquitetura como pinturas e esculturas que após esse desenvolvimento seria conhecida como arte helenística.

Arte Mecênica

             As manifestações
artísticas gregas, encontraram os seus alicerces numa filosofia antropocêntrica de sentido racionalista que inspirou as duas características fundamentais deste estilo: por um lado a dimensão humana e o interesse pela representação do homem e, por outro, a tendência para o idealismo traduzido na adoção de regras fixas (análogas às leis da natureza) que definiam sistemas de proporções e de relações formais para todas as produções artísticas.
             A principal característica das artes plásticas gregas está no fato de serem essencialmente públicas, pois era o Estado que patrocinava as obras como fontes, praças, templos, etc. Mesmo quando encomendadas por particulares, eram frequentemente expostas em locais públicos. Nas artes plásticas, evidencia-se a combinação do naturalismo (detalhes dos corpos, como, por exemplo, o vigor dos músculos) com a severidade e a regularidade do estilo.
            Na realidade os corpos feitos neste período, eram corpos perfeitos, pois os gregos eram muito antropocêntricos, por isso usamos até hoje a expressão " ele é um deus grego", pois as esculturas dos deuses eram de corpos muito perfeitos.
            Para que as esculturas pudessem serem feitas, foram preciso muitos estudos, para encontrar um material que não de quebrasse tão fácil, e que aguentasse muito peso, pois muitas pedras , como o mármore se quebram com o próprio peso. Além de estudos sobre o material perfeito para se fazer o trabalho, eles tiveram que estudar a anatomia do corpo humano. Na Grécia os artistas não estavam submetidos a convenções rígidas, pois as estátuas não tinham uma função religiosa, como no Egito.
             Após as vitórias sobre os persas, houve uma época crescente do naturalismo, onde os escultores ja dominavam a "forma humana", começaram a representar todos os tipos de ação, como por exemplo um atleta atirando um disco.

                         Um dos maiores escultores dessa época, foi Fídias que esculpiu as duas estátuas a de Atena para o Partenon, e a do Zeus de Olímpia.

Zeus

Atenas

        

           




           Eram obras colossais, com adornos de marfim e ouro. As esculturas do Partenon mostram a grandeza do estilo e do desenho de Fídias, sua força esplendorosa, delicadeza e sutileza. Deve-se a este artista, ainda, os enormes frisos desse templo. Seu contemporâneo, Policleto, esculpiu a estátua de um jovem empunhando uma lança, nas proporções que considerava ideais para a figura humana: o Doríforo, ou portador de lanças.

         A 500 anos antes de Cristo, a emoção começou a tomar conta da figura completa e não apenas da sua face, que geralmente apresentava um semblante calmo. Os escultores, esforçaram-se para representar o intelecto e a emoção através das feições do rosto. Os primeiros idealizavam o modelo, representando mais um tipo do que um indivíduo. O caimento das roupas tornou-se dramático, com dobras onduladas complexas para obtenção de efeitos de luz e sombra, de indicar as diferentes texturas, além de ser um apoio para as esculturas, para que tenham equilíbrio. O corpo humano era suave e gracioso, mas faltava-lhe a força e a dignidade das obras anteriores. Essa última fase do período clássico assistiu às melhores criações.Pode-se observar essas mudanças nas famosas estátuas de Hermes e Dionísio Menino e a Afrodite de Cnido. 

Hermes e Dionísio Menino

               
Lísipo, autor do Apoxiomenos, foi um dos derradeiros escultores clássicos, tornando-se num dos principais representantes do estilo helenístico. No período helenístico a escultura adquiriu progressivamente características menos idealizantes e mais próximas do humano, expressando os sentimentos ou a vida interior do retratado. Outros temas, até então pouco explorados, também passaram a entrar no repertório figurativo, como a morte, o sofrimento e a velhice, com representações realistas muitas vezes dramáticas e pungentes. Novos centros de produção se formaram em cidades como Pérgamo e Alexandria, e a influência da escultura grega, seguindo as conquistas de Alexandre Magno, se estendeu sobre uma vasta área, do norte da África até a Índia. Exemplos desta fase, que em seu final se desenvolveu sob crescente influência romana, são a Vênus de Milo, a Vitória de Samotrácia e o Grupo de Laocoonte.

           Na pintura, os gregos associaram em geral a outras formas de arte, como a cerâmica, a estatuária e a arquitetura. Ao contrário do caso da pintura cerâmica, restam pouquíssimos exemplos de pintura mural ou de painel.

Anfôras - usadas como troféus

            A técnica de pintura sobre cerâmica constitui uma esfera especial, com técnicas e estética diferenciadas, basicamente de caráter gráfico e não propriamente pictórico, muito diversa da pintura mural ou de painéis cênicos. Mesmo assim é uma arte que merece atenção pela riqueza de soluções plásticas, pela sua beleza e grande efeito decorativo, e pela enorme quantidade de peças que sobreviveram até os dias de hoje, possibilitando pelo menos sobre esta modalidade de pintura formarmos um panorama bastante detalhado sobre suas origens, evolução e influência sobre outras culturas.
              Os gregos em geral faziam vasos com propósitos simplesmente utilitário. As ânforas panatenaicas, usadas como troféus nos jogos eram exceções a essa regra. No helenismo, porém, a cerâmica puramente decorativa foi mais largamente cultivada.

Pintura Grega representando um banquete

            

Parthenon

                  A arquitetura grega se concentra na religiosidade – templos – com grande rigor de dimensões, estabelecendo proporções matematicamente precisas; os templos são construídos de pedra (mármore). O Parthenon – templo dedicado à deusa Atena, na Acrópole de Atenas, no governo de Péricles, é uma das mais conhecidas e admiradas construções do período. Um traço marcante da arquitetura grega é o uso de colunas, estabelecendo "ordens" características: dórica, jônica e coríntia.

               A arquitetura classica tem como principios a racionalidade a ordem a beleza e a geometria
                Os templos eram construídos com linhas retas retangulares, sem arcos nem abóbodas. O projeto era simples: uma construção de forma padronizada retangular sobre uma base ou envasamento de geralmente três degraus, com colunas no pórtico, na extremidade oposta ou em todos os seus lados e o entablamento de remate.
                Os gregos não usavam o arco; para suas construções, para produzirem efeito, dependiam dos fortes contrastes entre luz e sombra nas superfícies horizontais e verticais. Figuras esculpidas preenchiam o frontão de cada extremidade da construção e relevos apareciam nas vigas apoiadas pelas colunas. A escultura normalmente evocava a história de um deus ou herói do lugar.

                A arte grega não acabou com a conquista romana e mesmo com a transição do período antigo para o medieval, ela se desenvolveu como arte helenística e, depois, como arte bizantina, constituindo a base da arte na Europa ocidental. Sua influência duradoura se deve à racionalidade e ao equilíbrio, à sua tendência em privilegiar a estética do humano e da beleza.

Egito

     A civilização egípcia foi uma nação muito desenvolvida, foi onde a escrita deu seus primeiros passos. A arte do antigo Egito eram baseadas em fatores políticos e religiosos. 
     Onde toda a nação era comandada pelos "deuses sobre Terra" -Faraós.
A arte egípcia girava em torno do faraó, onde suas representações esculturais eram muito rígidas, pois como os faraós eram considerados deuses eles não tinha aspectos humanos, como sentimentos, deixando-os muito imponentes e imortais. Com esse objetivo ainda, exageravam freqüentemente as proporções do corpo humano, dando às figuras representadas uma impressão de força e de majestade.
     Os egipcios nao tinham muito interesse em fazer esculturas que realmente tinham uma certa harmonia com o corpo humano. As esculturas eram muito simétricas.

    

     Já nos aspectos de pinturas, haviam regras para que representação passadas por eles fossem eficazes e eficientes; eles não se interessavam muito pelo belo.
      As pinturas e os hieróglifos nas paredes das tumbas eram uma forma de registro da vida e atividades diárias do falecido, nos mínimos detalhes. Eram feitos em forma de painéis e divididos por linhas com hieróglifos. O tamanho da figura indica sua posição: faraós representados como gigantes, e servos quase como pigmeus. O homem era pintado em vermelho, a mulher em ocre.

      As pinturas obedeciam a Lei da Frontalidade :

            - Cabeças e pés vistos de perfil;

- Olhos mostrados frontalmente;

- Metade superior dos ombros e tronco de frente;
            - Braços e pernas apresentados por inteiro, de perfil
       A respeito dessas representações contorcidas, elas eram realizadas, a partir dos ângulos que melhor representassem determinada parte do corpo. Assim, a cabeça, braços e pernas são mais facilmente vistos de lado, os pés, melhor vistos de dentro (preferiam o contorno partindo do dedão, o que muitas vezes dava a impressão de dois pés esquerdos). Os olhos, por sua vez, de frente são mais expressivos, bem como a metade superior do tronco, mais nítidas se observadas de frente

Desenho em um papirus

O homem é vermelho e a mulher é ocre

      


Os egipcios sempre tiveram um gosto de fazer as esculturas e as tumbas em larga escala, como exemplo da esfinge, com o corpo de leão, e a cabeça unisex: podia ser um homem ou uma mulher dependendo de como você olhasse- isso mostra que a sociedade era igualitária entre ambos os sexos.

  




 A arte egipicia também era conhecida como a arte da imortalidade, por isso que as tumbas dos faraós eram imensas, pois nela eram guardados todos os seus pertences, até mesmo seus animais, pois acreditava que ele era imortal, que voltaria a viver novamente. Hoje em dia as tumbas são conhecidas como as pirâmides.



         Ao invés dos vários deuses que sempre governaram a vida egípcia, tentou instituir o culto a um único deus: Aton, que deveria ser representado como um sol. Mudou seu nome para Akhenaton. A arte dessa época, que até então mantinha-se fiel às tradições do passado, foi bastante modificada. Tornou-se menos pesada e mais descritiva. Akenaton – faraó proporcionou um afrouxamento temporário das convenções artísticas,fez uma representação naturalística de sua esposa, Nefertiti.

      
Após a morte de Nefertiti, o reinado de seu filho Tutancâmon logo restabeleceu as antigas crenças.

         Tutankamon, morreu aos 19 anos, e passou pelo processo de mumificação, um processo em que todos os faraós passavam antes de irem para as tumbas. O processo se resumia em retirar todos os orgãos do corpo, como fígado, coração, rins, intestinos, estômago, cerebro, etc; e esses orgãos eram colocados em recipientes. O corpo então era colocado num recipiente com natrão, para ser desidratado , após esse processo, era aplicado perfumes e substancias para conservar o corpo. O corpo era envolvido com faixas brancas. Após a múmia estar finalizada, era colocada dentro de um sarcófago, que seria levado à pirâmide para ser protegido e conservado       Tutankamon deixou o maior legado egípcio: sua tumba foi a mais intacta já achada pelos arqueólogos; dentro havia carruagens, camas dobráveis e objetos, tudo feito de ouro. Sua máscara escondia mais 3 camadas de madeira, e depois, a própria múmia.
        Após o reinado de Ramsés II (aproximadamente 1200 a.C.), o Egito entra cada vez mais em decadência que nunca mais teve um período de apogeu tão grande quanto o verificado nessa época histórica.

Múmia de Nefertiti

         

Pré Historia

      A pré-história corresponde ao período que antecede a invenção da escrita , e é dividida em 2 partes : o paleolítico e o neolítico .
      As mulheres sempre foram o fascínio dos homens, desde os períodos mais remotos da humanidade, por essa razão no período paleolítico, além de colares e ornamentos corporais, o homem fez estatuetas com formas femininas batizadas de "Vênus".

      Também no período paleolítico uma característica muito conhecida são os desenhos nas paredes das cavernas. O homem  pintava os seres, um animal, por exemplo, do modo como o via de uma determinada perspectiva, reproduzindo a natureza tal qual sua vista captava.
      Atualmente, a explicação mais aceita é que essa arte era realizada por caçadores, e que fazia parte do processo de magia por meio do qual procurava-se interferir na captura de animais, ou seja, o caçador supunha ter poder sobre o animal desde que possuísse a sua imagem. Acreditava que poderia matar o animal verdadeiro desde que o representasse ferido mortalmente num desenho. Utilizavam as pinturas rupestres, isto é, feitas em rochedos e paredes de cavernas. O homem deste período era nômade.

No período neolítico o homem se torna sedentário pois desenvolve técnicas para cultivo da terra e pela manutenção de manadas, houve um aumento da população e o desenvolvimento das famílias e a divisão do trabalho.
      Assim, o homem desenvolveu a técnica de tecer panos, de fabricar cerâmicas e construiu as primeiras moradias. Conseguiu, produzir o fogo através do atrito e deu início ao trabalho com metais.

   O homem não precisava mais ter os sentidos apurados de caçador, e o seu poder de observação foi substituído pela abstração e racionalização.
     Como conseqüência os temas da arte mudaram: começaram as representações da vida coletiva.

    Além de desenhos e pinturas, o homem produziu uma cerâmica que revela sua preocupação com a beleza e não apenas com a utilidade do objeto, também esculturas de metal.
       O Santuário de Stonehenge, no sul da Inglaterra, pode ser considerado uma das primeiras obras da arquitetura que a História registra. No centro do último está um bloco semelhante a um altar. O conjunto está orientado para o ponto do horizonte onde nasce o Sol no dia do solstício de verão, indício de que se destinava às práticas rituais de um culto solar. As pedras eram colocadas umas sobre as outras sem a união de nenhuma argamassa.    

      

O que é Design ?

      A origem imediata da palavra design esta na língua inglesa, na qual o substantivo design se refere tanto à idéia de plano, desígnio, intenção, quanto à configuração, arranjo, estrutura.
      A origem mais remota da palavra esta no latim "designare", verbo que abrange ambos os sentidos, o de designar e o de desenhar. Percebe-se que, do ponto de vista emitológico, o termo ja contém, nas suas origens uma ambiguidade, uma tensão dinâmica, entre um aspecto abstrato de conceber/ projetar/ atribuir e outro concreto de registrar/ configurar/formar.
      A maioria dessas definições concorda que o design  opera a junção desses dois níveis, atribuindo forma material a conceitos intelectuais.
"Uma introdução à história do design - 2ª Edição 2004 - Rafael Cardoso - São Paulo - pág 14"


      Design é a atividade intelectual, técnica e criativa relacionada não apenas com produção de produtos , mas com analise , a organização e os métodos de apresentação de soluções para problemas cotidianos.
"Associação Internacional do Design - 3ª Edição 2007 - pág 73"


       Conclusão


       Design é projetar. É colocar idéias no papel, com a finalidade de aprimorar, melhorar e mudar o cotidiano em que vivemos
        É uma atividade ampla das quais produtos, serviços, comunicação gráfica, decoração e arquitetura são abrangidas.
       O design tem como meta dar harmonia à vida.

 

O que é arte ?

        A arte é uma criação humana com valores estéticos ( beleza, equilíbrio, harmonia e revolta ) que sintetizam suas emoções, sua historia e sua cultura.
        É um conjunto de procedimentos, apresenta-se sob várias formas como: a plástica, a música, a escultura,  o cinema, o teatro, a dança, a arquitetura...
"  Caderno do Aluno - 6ª série -2009 - volume 4 pg 26- Arte , Linguagem , Codigos e suas Tecnologias"

        Arte (Latim - ARS = Técnica e/ou habilidade ) normalmente é entendida como atividade humana ligada a manifestações de ordem estética ( beleza, equilíbrio, harmonia e revolta ) da parte do ser humano, com a finalidade de estimular os sentidos e transmitir emoçoes e idéias.
" A  História da Arte - Carlos Cavalcanti - Introdução- Rio de Janeiro - 1970"


        Conclusão

        A arte é uma criação humana, feita para expressar seus pensamentos e suas idéias. O ser humano utiliza várias maneiras de expressar suas emoções como música, teatro, fotos, pinturas , etc...
        Os valores estéticos para expressar suas emoções são (beleza, equilíbrio, harmonia e revolta).
        A arte é a expressão dos pensamentos para estumular os sentidos.